OMA*AMO for Prada

Estilo - 08.05.2020

OMA*AMO for Prada AMO

Concebidos como auténticos proyectos arquitectónicos, las pasarelas desarrolladas por AMO permiten un alto grado de experimentación creativa que entra en diálogo con el  carácter innovador de Prada. Desde su primera colaboración en 2004, cada año AMO —el think tank de OMA, la oficina de Rem Koolhaas— diseña para Prada las escenografías en las que la firma de moda milanesa presenta sus colecciones. Planteando cuestiones como la relación del espectador con la moda, la jerarquía de la industria, o el uso de los espacios performativos, los proyectos de AMO transmutan espacios industriales, como los de la sede del grupo en vía Fogazzaro o los de la Fondazione Prada —construida por OMA en una antigua destilería en 2015—, en impactantes escenarios que convierten las pasarelas en auténticas experiencias sensoriales protagonizadas por la moda tanto como por la arquitectura. La configuración de los espacios no está necesariamente relacionada con la colección que se presenta, sino que busca desafiar las convenciones establecidas situando al público en una posición inesperada o reinventando la manera de desfilar. A través de recursos como la iluminación, la materialidad o el color, las pasarelas evocan escenas teatrales, paisajes extremos o ambientes futuristas inspirados en diferentes referencias culturales o artísticas que trasladan al espectador a un territorio onírico.  Como resultado de la colaboración entre AMO y Prada, los desfiles de la firma italiana se han convertido en impactantes eventos que modifican y alteran la percepción del espacio industrial donde se desarrollan los mismos. Las pasarelas están inspiradas en diferentes referencias culturales o artísticas como el teatro, el paisaje o la ciudad; y llevan al límite recursos expresivos como la iluminación, la materialidad o el color. 600 cubos de espuma azul crean una retícula uniforme de asientos donde se distribuye el público, de manera que se multiplican los recorridos del desfile y se transforma el punto de vista del espectador.

Horst Festival

Estilo - 02.03.2020

Horst Festival

Assemble Studio

Assemble Studio recibe el encargo de diseñar el escenario de 2017 para el evento donde confluyen música y arte en Bélgica: Horst Festival. Una exposición de arte de dos meses de duración y un festival de música de dos días se juntan en Horst Festival, evento que tiene lugar en el idílico castillo renacentista de Horst, situado en el pueblo de Saint Pieters Rode.Debido a unas obras de rehabilitación en el castillo, se encarga a Assemble la construcción de uno de los dos escenarios del festival. Con un presupuesto de 20.000€, el estudio busca crear una estructura que remedie la situación y adopte dimensiones similares a las del original, diseñando en el claro del bosque un sistema de andamios de tres pisos junto al lago.El escenario aparenta mantenerse en estado de construcción permanente, escondiendo su aspecto tras una red azul que envuelve toda la fachada y muestra una imagen por el día diferente a la de la noche.En una imitación de los teatros clásicos Shakesperianos, donde el público interactuaba con los intérpretes en las representaciones, se dispone un patio central a modo de pista de baile, rodeado de una balconada perimetral presente en las dos plantas superiores. Esta interacción permite al escenario transformarse en un lugar donde observar el espectáculo no es suficiente, sino que se pasa a formar parte de él, mejorando la relación entre el artista y el espectador.El festival se ha instaurado como un lugar donde poder disfrutar de la música electrónica, pero a la vez del arte y la arquitectura, poniendo en contacto a artistas de distintas disciplinas.

Funicular en Mogán

Estilo - 24.02.2020

Funicular en Mogán

ATELIER LOPEZNEIRACIAURRI

Un funicular pensado para brindar accesibilidad universal y reducir el impacto ecológico en el Hotel Riosol de Gran Canaria. Tras recibir el encargo de rehabilitar un hotel de los años 70 en Gran Canaria, el estudio decide salvar los 183 metros de altura sobre el nivel del mar en los que se encuentra instalando un funicular. La elección de este sistema de transporte inclinado permite implementar una manta ecológica que se extiende también sobre la antigua cubierta, donde se sustituyen los usos y servicios preexistentes, ya obsoletos. El proyecto trata de hacer hincapié en la sostenibilidad del edificio.Las nuevas instalaciones implantadas incluyen la maquinaria del funicular, tierra para plantaciones y piscinas que reducen la necesidad de aporte energético gracias al intercambio de calor de las masas de agua con el sistema de climatización, favoreciendo la ventilación y el enfriamiento de los espacios interiores. De esta manera, contribuyen a disminuir el consumo energético en las zonas interiores del hotel.Coronando la colina de Mogán, el funicular, con una inclinación de 42°, logra comunicar las distintas plantas del hotel garantizando la accesibilidad. El encargo incluye el diseño íntegro de la cabina, así como todos sus detalles para mejorar la experiencia: desde los botoneros hasta los estribos. Los cristales, de vidrio curvado y plano, presentan distintos grados de transparencia y están tintados de color amarillo. Apoyada sobre las sucesivas terrazas, la estructura metálica triangulada soporta las seis pasarelas que conducen a los niveles del hotel. En ellas, se emplean redes metálicas y unas alfombras azules que buscan la fusión del cielo con el suelo, consiguiendo una experiencia adimensional.Recientemente, el proyecto ha recibido el premio internacional a mejor ascensor inclinado del mundo, concedido por Elevator World en la vigésimo segunda edición de sus Annual Project of the Year Awards, considerados como los galardones internacionales más importantes en el sector del transporte y la movilidad en arquitectura.

Issey Miyake 'A Sense of Joy'

Estilo - 23.01.2020

Issey Miyake 'A Sense of Joy'

Primavera / Verano 2020

Alegría y movimiento en “A Sense of Joy”, la apuesta de Issey Miyake para la Semana de la Moda de París. Satoshi Kondo se estrena por todo lo alto en Issey Miyake como nuevo director creativo y diseñador presentando “A Sense of Joy” en el desfile de primavera/verano de la Semana de la Moda de París, en el centro Le Centquatre (distrito XIX) el 27 de septiembre de 2019.Dirigido por Daniel Ezralow, el espectáculo muestra una reivindicación moderna de la alegría que la gente encuentra en la ropa y en el modo de vestir. Kondo busca ahondar en la relación entre el cuerpo humano y la ropa a través del movimiento.El formato de pasarela tradicional deja paso a uno no convencional que aprovecha todo el espacio para desplegar un desfile basado en coreografías que enfatizan el movimiento.Dividido en secciones, comienza mostrando vestidos con tonos grisáceos que son sustituidos progresivamente por otros de colores vivos. A continuación, una interpretación musical introduce a una serie de modelos vestidas con prendas fabricadas a partir de tela similar a los paracaídas, a las que se suman otras montadas en monopatines dedicadas a recorrer el escenario. Este tipo de tejido responde a los bailes hinchándose al recoger aire, lo que contribuye a incrementar la sensación de ligereza y de fluidez con el desplazamiento. Otro interludio musical da comienzo al momento más impresionante del espectáculo, en el que unos aros descienden del techo sobre las modelos, transformando su imagen con vestidos veraniegos de tonos más coloridos y dando paso a una coreografía más alegre y acelerada. En el tramo final del desfile, unas bailarinas anteceden a la entrada progresiva del resto de modelos en el escenario, las cuales se unen formando un corro para dar la despedida al público y ser relevadas posteriormente por el propio diseñador.Kondo, que ha trabajado en el pasado para otras colecciones de la marca, da un soplo de aire fresco en su primera incursión como diseñador de ropa femenina estando al cargo de Issey Miyake.Fuente: https://vimeo.com/362814056

Growing Landscapes

Estilo - 16.01.2020

Growing Landscapes

Zap Buj

Una propuesta experimental que funde moda, arquitectura y tecnología en la pasarela EGO durante la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. La joven firma Zap&Buj trabaja en la intersección entre la arquitectura, la moda y la tecnología, a través de la experimentación con nuevos materiales y herramientas digitales, los cuales hacen la propuesta posible.Arquitectas de la Escuela de Madrid (ETSAM), Elena Zapico y Raquel Buj han sabido aplicar sus conocimientos técnicos y artísticos de la rama ingenieril para dar forma a trajes y texturas que rodean el cuerpo y lo relacionan con el entorno. Reivindican el papel de la moda como respuesta a principios que van más allá de lo estético, como la capacidad de conectar a personas, los alrededores y las situaciones que tienen lugar en ellos con el propósito de mejorar la vida de los demás. A través del concepto de piel y envolvente, la colección ‘Growing Landscapes’, segunda de la firma y presentada en la pasarela EGO durante la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, plantea un acercamiento entre el paisaje y el traje.Los materiales con memoria de forma —como los polímeros o las aleaciones de níquel y titanio— permiten que, al aplicar calor gracias a una serie de herramientas como el corte láser o la impresión 3d, las envolventes se adapten al perfil del cuerpo y adopten su movimiento. La colección también explora la utilidad de elementos no empleados convencionalmente en el mundo de la moda: acetato, diferentes tipos de silicona, filaflex, metacrilato o incluso láminas de aislamiento térmico.

SELO Store

Estilo - 25.11.2019

SELO Store

MNMA Studio

El proyecto de restauración para la marca Selo (zapatos hechos a mano) inspiró al estudio MNMA a crear una breve atmósfera de escapismo en su tienda de Sao Paulo. En contraste con el caos de la ciudad de São Paulo, los arquitectos eligen una imagen de fachada sencilla y clara: pizarras de cemento pigmentado y vidrio sin marco que reflejan la urbanidad y dan ligereza al conjunto. El método de trabajo del estudio de desarrollar ideas desde el exterior hacia el interior condujo al diseño final también condicionado por la búsqueda de una circulación fluida, alineando la acera como un continuo para ofrecer así accesibilidad para todos. En el interior, el atrio fue remodelado para crear un tragaluz redondo con una vista despejada del cielo, no sólo para la iluminación, sino también para un contacto lúdico con la naturaleza, el clima, el paso del tiempo y para tener una perspectiva a escala humana, recordándonos que compartimos el mismo cielo. Se inspira y celebra algunas obras del artista James Turrell.  El lavabo del inodoro es también un proceso hecho a mano. Consiste en "curvar" una piedra caliza y aplicarle llamas, para crear una textura áspera muy particular. El mobiliario auxiliar se compone de ejemplares originales de los años 50. Durante el proceso de curado de los materiales y a lo largo del desarrollo de la construcción, se produjeron algunos destrozos naturales en el suelo debido a la expansión de los materiales. Se decidió adoptar una técnica Kintsugi para rellenar las grietas con una mezcla dorada especial, en honor a lo sucedido.

Aesop Stores

Estilo - 20.08.2019

Aesop Stores

Taxonomy of Design

Fundada en 1987 por Dennis Paphitis como una línea de productos dentro de una pequeña peluquería en Melbourne, la empresa ha crecido hasta contar hoy con más de 220 espacios en 50 países.  En la era del comercio digital, la marca australiana de cosméticos Aesop apuesta por la experiencia en tienda a través del arte, la arquitectura y el diseño.  La filosofía de la marca —basada en la calidad, la honestidad y la sensibilidad— está presente en cada uno de sus establecimientos, pero los proyectos cuentan con libertad creativa para adaptarse al carácter del lugar. Fue precisamente el miedo a que la expansión convirtiera la firma en una ‘cadena sin alma’ lo que llevó a su director a contratar arquitectos locales, en su mayor parte emergentes. El resultado es una extraordinaria colección de diseños que no sólo buscan generar una imagen visualmente atractiva sino que calibran hasta niveles aparentemente imperceptibles factores como la iluminación, el aroma o la sonoridad. Para rendir homenaje a todo este proceso, Aesop lanzó en 2015 la web Taxonomy of Design, donde se catalogan los productos, materiales y estrategias, así como los diseñadores y arquitectos de los espacios que encarnan la esencia de la empresa. Situada en el barrio londinense de Chelsea, la tienda Duke of York Square, diseñada por Snøhetta, reinterpreta las construcciones de ladrillo mediante un pilar que se ramifica en doce arcos revestidos de arcilla.A partir de un elemento sencillo como el bloque de tierra apisonada, la arquitecta mexicana Frida Escobedo genera un diseño entretejido que reviste el espacio principal de la tienda Park Slope, Nueva York.Concebida por la firma Brooks + Scarpa, la tienda Downtown Los Ángeles ejemplifica la belleza de la simplicidad mediante una envolvente formada por tubos de cartón que genera una atmósfera cálida, táctil y neutra. Bajo un techo etéreo de curvas nebulosas, la tienda Prinsensgate en Oslo, concebida por Snøhetta, evoca el misticismo del paisaje noruego a través de la materialidad táctil y la neutralidad orgánica de sus muebles y acabados.Las tapas de acero de los desagües de París se usan en la tienda diseñada por Ciguë en el barrio de Le Marais como pequeños estantes que parecen levitar sobre la homogeneidad de las paredes encaladas.En honor a los baños de piedra de origen romano que dan nombre a la ciudad inglesa de Bath, la tienda diseñada por James Plumb incorpora fragmentos de roca integrados en los estantes, lavabos y encimeras.Situada en el distrito financiero de Miami, la tienda Brickell City Center —creada por los japoneses Mlkk Studio— se inspira en elementos típicos de un día de playa como los muebles de plástico descoloridos por el sol. Los tonos pastel que caracterizan las fachadas del barrio Kitsilano en Vancouver se trasladan a la tienda diseñada por el estudio Naturehumaine, donde contrastan con la neutralidad gris de paredes, suelos y techos.La tienda Knox en Dallas, diseñada por el equipo nterno de Aesop, rinde  tributo a través de su carta cromática a la película Paris, Texas de Wim Wenders, que se proyecta sobre una de sus paredes en bucle.El latón, el terrazo y la pintura color rosa salmón conforman la paleta de materiales de la tienda Ngee Ann City en Singapur concebida por el equipo local Asylum como una reinterpretación de las casas tradicionales Peranakan.Los acabados brutalistas del techo, la mesa y los suelos se equilibran con materiales clásicos como el terciopelo, el latón o el mármol en la tienda Luitpoldblock, en Múnich, ideada por el equipo alemán 1zu33. Tanto el suelo como las estanterías o el mostrador de la tienda diseñada por March Studio en Gough Street (Hong Kong) se construyen con ladrillos de vidrio traslúcido que generan un entorno abstracto e inmaterial.Desarrollada por el equipo interno de Aesop, la tienda Bordeaux busca recuperar el espíritu original del espacio restaurando  las molduras y manteniendo las imperfecciones del entarimado para enfatizar el envejecimiento natural.Firmada por el ganadordel premio Pritzker Paulo  Mendes da Rocha junto con Metro Arquitetos, la tienda Oscar Freire en São Paulo condensa el dinamismo y la potencia material que caracteriza la modernidad brasileña.La pureza monocroma de las diferentes estancias y piezas de mobiliario enfatiza la belleza plástica de la tienda situada en Fitzroy, en Melbourne, que ha sido concebida por el estudio local de Clare Cousins.

Bureau Betak

Estilo - 04.07.2018

Bureau Betak

Fashion Show Revolution

Alexandre de Betak (París, 1968) lleva años convirtiendo los desfiles y eventos de moda más importantes en formidables escenografías que aúnan originalidad y destreza técnica Con sede en Nueva York, en París y en Shanghái, Bureau Betak ha construido su imaginario en torno a los desfiles de las marcas de moda más reconocidas (Christian Dior, Tiffany & Co., John Galliano, Hussein Chalayan, Victoria´s Secret...) Sus escenografías, siempre originales, investigan todos los campos de la creación, desde la más artesanal a la más tecnológica, desde la más artificial a la más natural. Cimenta sus proyectos en cuatro elementos. El primero sería la localización (ha intervenido en míticos lugares como el Louvre de París, la Ciudad Prohibida de Pekín o la Plaza Roja de Moscú), que otorga una narrativa a la historia. A continuación la puesta en escena busca crear algo nuevo, ya sea arquitectónico, distópico o fantástico. Es donde la perfección y el alarde técnico se hacen presentes. La luz, obsesión de Alexandre de Betak desde que era niño, sería el tercer pilar, el que otorga la credibilidad y el éxito definitivo a la intervención. Por último, la perfomance representaría el elemento vivo: es el movimiento y la vida humana. Es, según el diseñador, donde el resto de los elementos se unen y se encuentran en un balance preciso pero sutil. El libro Betak. Fashion Show Revolution (Phaidon, 2017) recoge en sus casi trescientas páginas y cientos de fotografías el trabajo de los últimos 25 años del francés Alexandre de Betak.

Prada Invites

Estilo - 17.02.2018

Prada Invites

Prada

Poesía, técnica, estética y funcionalidad. Cuatro aproximaciones al mundo de la moda donde la arquitectura tiene mucho que aportar. La colaboración entre arquitectura y moda es posible, una vez más, gracias a la iniciativa Prada Invites, donde arquitectos como Herzog &deMeuron o Rem Koolhaas han rediseñado el icónico Black Nylon del gigante PRADA durante el desfile de su colección Otoño/Invierno 2018 en Milán. La visión arquitectónica, presente también en el espacio industrial donde se organizó el show. La mochila, tal y como la conocemos, es un diseño obsoleto e incómodo. Rem Koolhaas habla del ritmo de vida de la sociedad actual y sus necesidades en cuanto al almacenaje y transporte de pertenencias. Se propone llevarla hacia delante y reducir el tamaño de los compartimentos, ajustándolos a las medidas reales de nuestros objetos cotidianos. Una oda al lenguaje como herramienta de persuasión y comunicación sincera. Las palabras se juntan entre ellas para crear discursos vacíos sin espacio para la crítica ni la contestación. Un mero diseño que la firma Suiza Herzog &de Meuron aplica como patrón en una camisa de nylon negro. Konstantin Grcic, diseñador industrial alemán, vuelve a los orígenes del nylon y al elemento frente al que mejor responde, el agua. Concebido como material para fabricar bolsas, se plantea un nuevo uso como chaleco de pescar, mejorando sus características técnicas, o incluso versiones más abstractas con líneas que se adaptan mejor al cuerpo. Los hermanos Ronan y Erwan Bouroullec se centraron en el aspecto estético del nylon. Ronan afirma que siempre le han gustado el tipo de gente, arquitectos, pintores y estudiantes, que van con carpetas de arte; el movimiento de ese rectángulo, su corte limpio y geometría fija en contraste con cuerpos en movimiento."

ESPECIAL: Milan Design Week

Estilo - 08.04.2017

ESPECIAL: Milan Design Week Lo mejor de 2017

Repasamos lo mejor de la última edición de la Semana del Diseño de Milán 2017 en el Fuori Salone. Más de 15 proyectos de los arquitectos y diseñadores más destacados. De los cientos de instalaciones que siembran el Fuori Salone durante la Semana del Diseño de Milán, repasamos las más destacadas, entre las que se encuentran la exposición de Nendo, el pabellón de SO-IL para MINI, las burbujas de Studio - Swine para COS, la exposición de LAUFEN: Milestones, Dektonclay - el proyecto de Apparatu para Cosentino, los cubos blancos de Chipperfield, Zaha Hadid, Aires Mateus y otros para OIKOS, la instalación de Zaha Hadid para Samsung, el aparador de Daniel Germani con DEKTON, o las delicadas lámparas de Formafantasma para FLOS.